Didier Chambon

D’où vient le nom "Safety" ?"Safety" tire son âme des vieux Polaroids numérotés qui ont marqué mes débuts. Ces images, je les revois comme si c’était hier, pleines des souvenirs d’une époque qui m’a façonné. Dans les années 80, je passais mes journées dans une usine de moteurs diesel, au cœur d’un labo de recherche et développement. L’air vibrait du bourdonnement des bancs d’essai, entre les odeurs d’huile et les calculs minutieux. Là, au milieu des machines, tout semblait tourner autour de la mécanique, précise, implacable, mais étrangement vivante. Juste à côté, un laboratoire métallurgique voisin opérait comme une sorte de détective des matériaux : il analysait des pièces défectueuses, traquant les failles invisibles à l’œil nu. Chaque expertise était une enquête minutieuse, où rien n’était laissé au hasard. C’est là qu’intervenaient les Polaroïds, manipulés avec soin par Michel, un collègue et ami de travail dont le rôle était aussi crucial que discret. Armé de son appareil, il immortalisait chaque défaut — une fissure dans un alliage, une usure anormale, un point de rupture — sur ces petits carrés de film instantané. Chaque cliché portait un numéro unique, griffonné à la main, et était contresigné par un expert de la partie adverse, souvent un représentant du fournisseur ou du client. Ce rituel, presque solennel, scellait une sorte de pacte visuel : une garantie d’objectivité et d’honnêteté entre les deux camps. Pas de place pour la triche ou les approximations ; tout était consigné, vérifié, sous contrôle. Ces Polaroïds, jaunis par le temps, devenaient des preuves tangibles, des archives d’une rigueur implacable. Cette série, "Safety", est bien plus qu’une simple collection d’images. C’est un clin d’œil intime à cette première carrière dans l’industrie métallurgique, une époque où la précision et la discipline forgeaient mes journées. Je revois encore l’odeur d’huile et de métal, le bruit sourd des machines, et les discussions avec Michel sur la meilleure façon de cadrer une pièce abîmée pour que tout soit clair au premier regard. "Safety" incarne cette quête de fiabilité, ce besoin de sécurité technique qui définissait notre travail — un hommage à ces moments où chaque détail comptait, où chaque défaut racontait une histoire. Ce projet, c’est ma manière de saluer ce passé, de rendre vie à ces instants qui, sans que je le sache alors, ont façonné l’homme et le créateur que je suis devenu.

L’Art du Hasard : Un Filtre d’Ocre Né d’un Soir

La Petite Chronique d’un Soir GranuleuxL’idée d’intégrer un effet granuleux, teinté d’ocres et de rouges, dans mes images est née d’un heureux hasard, un soir après une longue journée de travail. Nous étions au milieu des années 90, une époque où la photographie argentique régnait encore en maître dans mon univers créatif. Ce soir-là, je m’étais installé dans mon laboratoire improvisé – en réalité, ma salle de séjour transformée pour l’occasion – pour réaliser des tirages que j’avais réalisés lors de mon dernier voyage dans les caraïbes, j’avais amené quelques rouleaux de pellicule diapositive. J’utilisais à l’époque un agrandisseur IFF Ampliator Color S2 13x18, un appareil robuste et précis, et je travaillais pour la première fois avec le procédé Cibachrome, connu pour ses couleurs vibrantes et sa fidélité exceptionnelle. La pièce était plongée dans une obscurité presque totale, les seules lueurs provenaient des reflets fugaces de la lumière rouge de sécurité, à peine perceptibles. J’ai éteint la lampe inactinique — une condition essentielle pour ce type de développement. J'ai disposé une feuille de papier photosensible sous l’agrandisseur, prêt à capturer l’image projetée. Puis, par hasard, ma main a effleuré une plaque de verre posée là, sur ma table de travail, sans que je me rappelle l’y avoir placée – un objet encombrant dont je ne savais que faire — m’a gêné. Sans trop y réfléchir, je l’ai simplement posée sur la feuille de papier, me disant que je verrais les effets sur le tirage. J’ai procédé au tirage dans le noir complet, suivant les étapes habituelles : exposition, développement, rinçage à l’eau, blanchiment, fixage, lavage à l’eau. Quand j’ai fini le procédé, j’ai sorti la plaque de verre, un peu méfiant, mais curieux de découvrir ce que ça donnerait. Je me suis dit : « Bah, on verra. » Quelques minutes plus tard, une fois l’image fixée, j’ai été bluffé. Sur le tirage, des taches orangées et rougeâtres, un peu anarchiques, mais bizarrement belles, dansaient sur la surface. En tenant la plaque contre la lumière, j’ai compris : elle était marquée de partout – des gouttes de café séchées, des traces de doigts, peut-être même des saletés ramassées au fil du temps. Ces petits défauts, en jouant avec la lumière de l’agrandisseur, s’étaient gravés sur le papier. Le résultat était inattendu, presque magique, comme si ces imperfections avaient décidé de raconter leur propre histoire. Loin de considérer cela comme un défaut, j’y ai vu une opportunité. Cet accident m’a inspiré une nouvelle approche créative. J’ai décidé d’explorer et de perfectionner cette technique. J’ai commencé à expérimenter avec différentes plaques de verre, que j’ai intentionnellement marquées de textures variées : gouttes de café diluées, traits de peinture diluée, poussières savamment disposées, ou encore frottements légers pour obtenir des granulations subtiles. Chaque plaque devenait une sorte de filtre artisanal, unique en son genre. J’ai multiplié les essais, ajustant la durée d’exposition et la disposition des plaques pour obtenir des effets plus ou moins prononcés, jouant avec les teintes chaudes – ocres, rouges, parfois des touches de brun – qui donnaient à mes images une patine presque picturale. Avec l’arrivée de la photographie numérique dans les années suivantes, j’ai poussé cette idée encore plus loin. J’ai numérisé mes plaques de verre préférées, capturant leurs motifs et leurs textures avec un scanner haute résolution. Ces fichiers sont devenus des calques que j’intègre désormais comme filtres dans mon logiciel de retouche photo. Appliqués sur mes images numériques, ils recréent cet effet granuleux et coloré qui évoque à la fois la spontanéité de l’accident originel et la richesse esthétique de l’argentique. Ce procédé, né d’un moment d’improvisation dans mon salon-labo, est devenu une signature, une manière de lier mon passé de tireur argentique à mon présent de créateur numérique.

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Waldeinsamkeit / Komorebi

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Waldeinsamkeit / Komorebi

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Waldeinsamkeit / Paysage

Quand la Forêt Devient Refuge Intérieur

Le mot allemand Waldeinsamkeit (prononcé val-tayn-zam-kayt) capture une sensation unique : celle de se retrouver seul en forêt, enveloppé d’une profonde paix intérieure. Ce n’est pas une solitude pesante, mais un moment choisi, presque spirituel, où l’on se sent en harmonie avec la nature. On y trouve du calme, une touche de contemplation, parfois une pointe de mystère ou de mélancolie douce. Ce terme, ancré dans la tradition romantique allemande, évoque les forêts des poèmes de Goethe ou des contes des frères Grimm : des lieux hors du temps, à la fois refuges et espaces d’introspection. Imaginez le chuchotement des feuilles, l’odeur humide de la mousse, l’ombre des arbres… une parenthèse loin du tumulte humain.

Komorebi

Komorebi (« 木漏れ日 » prononcé ko-mo-ré-bi) est un mot japonais, traduisible en « les rayons du soleil passant à travers les arbres ».

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Waldeinsamkeit / Komorebi - Safety

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Waldeinsamkeit / Komorebi - Safety

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Waldeinsamkeit / Paysage

Quand la Forêt Devient Refuge Intérieur

Le mot allemand Waldeinsamkeit (prononcé val-tayn-zam-kayt) capture une sensation unique : celle de se retrouver seul en forêt, enveloppé d’une profonde paix intérieure. Ce n’est pas une solitude pesante, mais un moment choisi, presque spirituel, où l’on se sent en harmonie avec la nature. On y trouve du calme, une touche de contemplation, parfois une pointe de mystère ou de mélancolie douce. Ce terme, ancré dans la tradition romantique allemande, évoque les forêts des poèmes de Goethe ou des contes des frères Grimm : des lieux hors du temps, à la fois refuges et espaces d’introspection. Imaginez le chuchotement des feuilles, l’odeur humide de la mousse, l’ombre des arbres… une parenthèse loin du tumulte humain.

Komorebi

Komorebi (« 木漏れ日 » prononcé ko-mo-ré-bi) est un mot japonais, traduisible en « les rayons du soleil passant à travers les arbres ».

La Série Safety : Une Histoire de Polaroïd

L’Art du Hasard : Un Filtre d’Ocre Né d’un Soir

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Lauku-photos

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Lauku

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Lauku / Campagne

Lauku : un murmure letton pour l’entre-deux

« Lauku » (prononcé la-ou-kou) glisse sur la langue comme un vent doux, un mot letton qui chante l’espace rural — un refuge fragile, loin des griffes acérées de la ville. Ce n’est pas seulement un lieu, une étendue de terre ouverte : c’est une respiration, un horizon auquel l’homme et la nature s’effleurent, se mêlent, dans une danse lente, ancienne, presque oubliée. Sous un ciel immense, « lauku » déploie ses champs d’herbes frémissantes, ses sillons tracés par des mains patientes, ses sentiers sur lesquels le pas s’alourdit de terre humide. Ici, la lumière s’étire sans fin, caressant les blés dorés, jouant dans les ombres tremblantes des haies sauvages. Ce n’est pas la forêt profonde, avec ses secrets d’arbres serrés, ni la ville aux murs qui emprisonnent le regard — c’est l’entre-deux, un éclat de vie suspendu entre le tumulte et le silence. Dans cet espace, la nature souffle son haleine verte, reprend ce que l’homme a semé, défait les clôtures usées pour y semer des fleurs rebelles. Les saisons y dansent sans hâte : l’été y brûle les épis, l’automne y jette des voiles roux, et l’hiver y pose un manteau blanc que le vent sculpte en vagues muettes. « Lauku » porte les échos d’une charrue lointaine, le cri d’un oiseau qui fend le crépuscule, le parfum de la paille mouillée après la pluie. C’est une terre façonnée, oui, mais jamais domptée. L’homme y laisse ses traces — un toit penché, un chemin qui s’efface — et la nature les reprend, doucement, comme une mère qui borde un enfant endormi. « Lauku » n’est ni la nature intacte, ni l’ordre froid des cités : c’est un chant fragile, une promesse d’équilibre où l’âme s’apaise.

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Lauku - Safety

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Lauku - Safety

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Lauku / Campagne

Lauku : Un murmure letton pour l’entre-deux

« Lauku » (prononcé la-ou-kou) glisse sur la langue comme un vent doux, un mot letton qui chante l’espace rural — un refuge fragile, loin des griffes acérées de la ville. Ce n’est pas seulement un lieu, une étendue de terre ouverte : c’est une respiration, un horizon auquel l’homme et la nature s’effleurent, se mêlent, dans une danse lente, ancienne, presque oubliée. Sous un ciel immense, « lauku » déploie ses champs d’herbes frémissantes, ses sillons tracés par des mains patientes, ses sentiers sur lesquels le pas s’alourdit de terre humide. Ici, la lumière s’étire sans fin, caressant les blés dorés, jouant dans les ombres tremblantes des haies sauvages. Ce n’est pas la forêt profonde, avec ses secrets d’arbres serrés, ni la ville aux murs qui emprisonnent le regard — c’est l’entre-deux, un éclat de vie suspendu entre le tumulte et le silence. Dans cet espace, la nature souffle son haleine verte, reprend ce que l’homme a semé, défait les clôtures usées pour y semer des fleurs rebelles. Les saisons y dansent sans hâte : l’été y brûle les épis, l’automne y jette des voiles roux, et l’hiver y pose un manteau blanc que le vent sculpte en vagues muettes. « Lauku » porte les échos d’une charrue lointaine, le cri d’un oiseau qui fend le crépuscule, le parfum de la paille mouillée après la pluie. C’est une terre façonnée, oui, mais jamais domptée. L’homme y laisse ses traces — un toit penché, un chemin qui s’efface — et la nature les reprend, doucement, comme une mère qui borde un enfant endormi. « Lauku » n’est ni la nature intacte, ni l’ordre froid des cités : c’est un chant fragile, une promesse d’équilibre où l’âme s’apaise.

La Série Safety : Une Histoire de Polaroïd

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Paysages Urbain

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Paysages Urbain

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Échos Urbains — Souffle des Rues

Les villes ne se contentent pas d’exister : elles murmurent, grincent, vibrent sous le poids des pas qui les foulent. Ce ne sont pas seulement des amas de pierre et d’acier, mais des créatures colossales, palpitantes, dont chaque artère — ruelle, boulevard ou passage oublié — charrie des fragments d’histoires. "Paysage Urbain" ne se contente pas de célébrer la ville ; il cherche à saisir son essence, à retranscrire ce qu’elle murmure à qui sait l’entendre. Les cités, pour moi, sont des entités vivantes, des colosses de béton dont les structures grincent sous le poids des années, leurs câbles électriques vibrant d’une énergie frénétique. Chaque image de cette série fige un instant de leur vérité brute. Une ruelle luisante sous une pluie d’automne, où les pavés semblent retenir l’écho des pas d’inconnus. L’ombre d’une tour qui s’étire sur l’asphalte, aussi tranchante qu’une lame, mais adoucie par la lumière rasante du crépuscule. Un néon vacillant, dont le reflet tremble dans une flaque d’eau, comme une étoile piégée dans un miroir liquide. Ces scènes ne cherchent pas à séduire, à offrir la carte postale lisse que les touristes poursuivent. Elles capturent des éclats d’un récit plus vaste, celui d’une ville qui se raconte à demi-mot, entre ses silences et ses vacarmes. Dans ce travail, j’explore les tensions qui façonnent l’âme urbaine. Les lignes droites et implacables des immeubles modernes s’effritent sous l’assaut d’une lumière douce, presque maternelle, qui caresse leurs arêtes. Les graffitis, ces cris de couleur, défient la froideur des façades, comme des poèmes griffonnés sur un mur de prison. Chaque image devient une confrontation : l’homme face à sa propre création, une œuvre qui, peu à peu, échappe à son contrôle pour devenir autonome, indomptable. Les couleurs que je choisis — parfois saturées, parfois délavées — traduisent cette vie qui pulse sous la surface, là où la grisaille semble tout engloutir. Un rouge criard d’une enseigne, un bleu profond d’une vitre brisée, un jaune sale d’un lampadaire : chaque teinte est un battement de cœur. Le cadre de mes photographies est souvent serré, resserré même, comme pour forcer l’œil à s’arrêter. Dans une ville, on passe, on court, on effleure. Mes images exigent une pause, une attention à ce qui est ignoré : la rouille qui ronge un panneau, la fissure qui zèbre un mur, l’ombre d’un passant qui s’étire comme une pensée fugace. Ce choix vient de mon passé, d’une enfance dans l’ombre d’usines grondantes, où le métal et le béton dictaient le rythme du quotidien. Cette fascination pour les villes, pour leur imprévisibilité, n’a jamais cessé. Chaque coin de rue est un carrefour de temps : un immeuble de verre flambant neuf côtoie une façade décrépite, chargée de décennies de pluie et de vent. Chaque texture — rugueuse, lisse, écaillée — raconte une histoire, un souvenir que la ville garde jalousement. "Paysage Urbain" ne cherche pas à embellir, ni à juger. Il s'agit de révéler ce qui se cache dans l'ordinaire : la beauté d'une fissure s'ouvrant comme une plaie, le souffle poétique d'un chaos mêlant ancien et moderne. Cette série invite à ralentir, à observer ce qu'on ignore en passant, à entendre les murmures de la ville pour qui sait écouter. C’est un dialogue avec ces géants de béton, un effort pour saisir leur âme avant qu’elle ne s’échappe, emportée par le tumulte du temps.

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Paysages Urbain - Safety

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Échos Urbains — Souffle des Rues

Les villes ne se contentent pas d’exister : elles murmurent, grincent, vibrent sous le poids des pas qui les foulent. Ce ne sont pas seulement des amas de pierre et d’acier, mais des créatures colossales, palpitantes, dont chaque artère — ruelle, boulevard ou passage oublié — charrie des fragments d’histoires. "Paysage Urbain" ne se contente pas de célébrer la ville ; il cherche à saisir son essence, à retranscrire ce qu’elle murmure à qui sait l’entendre. Les cités, pour moi, sont des entités vivantes, des colosses de béton dont les structures grincent sous le poids des années, leurs câbles électriques vibrant d’une énergie frénétique. Chaque image de cette série fige un instant de leur vérité brute. Une ruelle luisante sous une pluie d’automne, où les pavés semblent retenir l’écho des pas d’inconnus. L’ombre d’une tour qui s’étire sur l’asphalte, aussi tranchante qu’une lame, mais adoucie par la lumière rasante du crépuscule. Un néon vacillant, dont le reflet tremble dans une flaque d’eau, comme une étoile piégée dans un miroir liquide. Ces scènes ne cherchent pas à séduire, à offrir la carte postale lisse que les touristes poursuivent. Elles capturent des éclats d’un récit plus vaste, celui d’une ville qui se raconte à demi-mot, entre ses silences et ses vacarmes. Dans ce travail, j’explore les tensions qui façonnent l’âme urbaine. Les lignes droites et implacables des immeubles modernes s’effritent sous l’assaut d’une lumière douce, presque maternelle, qui caresse leurs arêtes. Les graffitis, ces cris de couleur, défient la froideur des façades, comme des poèmes griffonnés sur un mur de prison. Chaque image devient une confrontation : l’homme face à sa propre création, une œuvre qui, peu à peu, échappe à son contrôle pour devenir autonome, indomptable. Les couleurs que je choisis — parfois saturées, parfois délavées — traduisent cette vie qui pulse sous la surface, là où la grisaille semble tout engloutir. Un rouge criard d’une enseigne, un bleu profond d’une vitre brisée, un jaune sale d’un lampadaire : chaque teinte est un battement de cœur. Le cadre de mes photographies est souvent serré, resserré même, comme pour forcer l’œil à s’arrêter. Dans une ville, on passe, on court, on effleure. Mes images exigent une pause, une attention à ce qui est ignoré : la rouille qui ronge un panneau, la fissure qui zèbre un mur, l’ombre d’un passant qui s’étire comme une pensée fugace. Ce choix vient de mon passé, d’une enfance dans l’ombre d’usines grondantes, où le métal et le béton dictaient le rythme du quotidien. Cette fascination pour les villes, pour leur imprévisibilité, n’a jamais cessé. Chaque coin de rue est un carrefour de temps : un immeuble de verre flambant neuf côtoie une façade décrépite, chargée de décennies de pluie et de vent. Chaque texture — rugueuse, lisse, écaillée — raconte une histoire, un souvenir que la ville garde jalousement. "Paysage Urbain" ne cherche pas à embellir, ni à juger. Il s'agit de révéler ce qui se cache dans l'ordinaire : la beauté d'une fissure s'ouvrant comme une plaie, le souffle poétique d'un chaos mêlant ancien et moderne. Cette série invite à ralentir, à observer ce qu'on ignore en passant, à entendre les murmures de la ville pour qui sait écouter. C’est un dialogue avec ces géants de béton, un effort pour saisir leur âme avant qu’elle ne s’échappe, emportée par le tumulte du temps.

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Paysages Industriel

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De Fer et de Suie — Poussière et Promesses

Les paysages industriels, c’est comme un vieux carnet que je rouvre parfois, les pages froissées, pleines de taches d’huile et de souvenirs. Ces lieux ne sont pas juste des usines ou des entrepôts. Ils font partie de moi, de mes années d’adolescent, quand je me cherchais encore, les mains noircies par le cambouis, les yeux écarquillés devant le monde. Je revois mes trajets à vélo entre le lycée technique, une ancienne filature où flottait une odeur de laine rance et de métal froid, et l’usine où des moteurs diesel grondaient, où des métiers à tisser claquaient comme des horloges d’un autre temps. Ces machines, forgées au XIXe siècle, avaient une présence presque sacrée. Elles n’étaient pas juste des outils – elles portaient l’élan d’un siècle qui croyait encore au progrès. J’avais seize ans, et je me plantais souvent au pied des grandes cheminées, leur ombre tombant sur moi comme une caresse rude. Le bruit était partout : le martèlement sourd des presses, le sifflement aigu des soupapes, le raclement des chaînes qui semblaient ne jamais s’arrêter. Ces usines vivaient. Les murs, noircis par des années de suie, respiraient une histoire lourde, palpable. Les poutres d’acier, épaisses comme des troncs d’arbre, défiaient le ciel gris. Et puis, il y avait ces petits riens qui m’accrochaient : une plaque de rouille en forme d’étoile sur une tôle, un éclat de lumière qui tremblait dans une flaque d’eau grasse, un vieux panneau à moitié effacé, où on devinait à peine le mot "danger". C’était beau, d’une beauté brute, sans chichi, comme un poème écrit à la hâte sur un coin de table. Ce qui me remue encore, c’est de penser à ceux qui ont bâti tout ça. Des hommes, des femmes, avec des visages creusés par le travail, des mains abîmées par le froid et le fer. Ils ont empilé les briques, soudé les charpentes, graissé les engrenages avec une patience qui force le respect. Ces usines, ces ponts rouillés qui enjambent les fleuves, ces gares désertes où les rails chantent sous la pluie – ce sont leurs traces, leurs rêves, leurs fatigues. Je les imagine, le matin, soufflant dans leurs mains pour se réchauffer, ou le soir, rentrant chez eux, les épaules lourdes, mais la tête haute. Ces lieux, c’est plus que du béton et du métal. Ce sont des bouts d’humanité, des actes de foi gravés dans la pierre. Aujourd’hui, quand je me balade dans ces coins industriels, je m’arrête souvent, sans raison précise. Je regarde une fissure qui zèbre un mur, une tache de peinture qui s’écaille comme une vieille peau, l’ombre d’un passant qui glisse sur l’asphalte. Ça me prend aux tripes. Ces endroits me parlent, d’une voix rauque, usée, mais pleine de vérité. Ils me racontent un temps où l’on construisait des choses pour qu’elles tiennent, où chaque rivet était une promesse. Ces paysages industriels, c'est des histoires qu’on lit dans la rouille et la suie, des murmures d’un monde qui refuse de se taire. Ils me ramènent à mes racines, à ce gamin de seize ans qui découvrait la vie dans l’ombre des machines. Et quelque part, ils m’apprennent encore à écouter.

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Paysages Industriel - Safety

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De Fer et de Suie — Poussière et Promesses

Les paysages industriels, c’est comme un vieux carnet que je rouvre parfois, les pages froissées, pleines de taches d’huile et de souvenirs. Ces lieux ne sont pas juste des usines ou des entrepôts. Ils font partie de moi, de mes années d’adolescent, quand je me cherchais encore, les mains noircies par le cambouis, les yeux écarquillés devant le monde. Je revois mes trajets à vélo entre le lycée technique, une ancienne filature où flottait une odeur de laine rance et de métal froid, et l’usine où des moteurs diesel grondaient, où des métiers à tisser claquaient comme des horloges d’un autre temps. Ces machines, forgées au XIXe siècle, avaient une présence presque sacrée. Elles n’étaient pas juste des outils – elles portaient l’élan d’un siècle qui croyait encore au progrès. J’avais seize ans, et je me plantais souvent au pied des grandes cheminées, leur ombre tombant sur moi comme une caresse rude. Le bruit était partout : le martèlement sourd des presses, le sifflement aigu des soupapes, le raclement des chaînes qui semblaient ne jamais s’arrêter. Ces usines vivaient. Les murs, noircis par des années de suie, respiraient une histoire lourde, palpable. Les poutres d’acier, épaisses comme des troncs d’arbre, défiaient le ciel gris. Et puis, il y avait ces petits riens qui m’accrochaient : une plaque de rouille en forme d’étoile sur une tôle, un éclat de lumière qui tremblait dans une flaque d’eau grasse, un vieux panneau à moitié effacé, où on devinait à peine le mot "danger". C’était beau, d’une beauté brute, sans chichi, comme un poème écrit à la hâte sur un coin de table. Ce qui me remue encore, c’est de penser à ceux qui ont bâti tout ça. Des hommes, des femmes, avec des visages creusés par le travail, des mains abîmées par le froid et le fer. Ils ont empilé les briques, soudé les charpentes, graissé les engrenages avec une patience qui force le respect. Ces usines, ces ponts rouillés qui enjambent les fleuves, ces gares désertes où les rails chantent sous la pluie – ce sont leurs traces, leurs rêves, leurs fatigues. Je les imagine, le matin, soufflant dans leurs mains pour se réchauffer, ou le soir, rentrant chez eux, les épaules lourdes, mais la tête haute. Ces lieux, c’est plus que du béton et du métal. Ce sont des bouts d’humanité, des actes de foi gravés dans la pierre. Aujourd’hui, quand je me balade dans ces coins industriels, je m’arrête souvent, sans raison précise. Je regarde une fissure qui zèbre un mur, une tache de peinture qui s’écaille comme une vieille peau, l’ombre d’un passant qui glisse sur l’asphalte. Ça me prend aux tripes. Ces endroits me parlent, d’une voix rauque, usée, mais pleine de vérité. Ils me racontent un temps où l’on construisait des choses pour qu’elles tiennent, où chaque rivet était une promesse. Ces paysages industriels, c'est des histoires qu’on lit dans la rouille et la suie, des murmures d’un monde qui refuse de se taire. Ils me ramènent à mes racines, à ce gamin de seize ans qui découvrait la vie dans l’ombre des machines. Et quelque part, ils m’apprennent encore à écouter.

La Série Safety : Une Histoire de Polaroïd

D’où vient le nom "Safety" ?L’idée d’intégrer un effet granuleux, teinté d’ocres et de rouges, dans mes images est née d’un heureux hasard, un soir après une longue journée de travail. Nous étions au milieu des années 90, une époque où la photographie argentique régnait encore en maître dans mon univers créatif. Ce soir-là, je m’étais installé dans mon laboratoire improvisé – en réalité, ma salle de séjour transformée pour l’occasion – pour réaliser des tirages que j’avais réalisés lors de mon dernier voyage dans les caraïbes, j’avais amené quelques rouleaux de pellicule diapositive. J’utilisais à l’époque un agrandisseur IFF Ampliator Color S2 13x18, un appareil robuste et précis, et je travaillais pour la première fois avec le procédé Cibachrome, connu pour ses couleurs vibrantes et sa fidélité exceptionnelle. La pièce était plongée dans une obscurité presque totale, les seules lueurs provenaient des reflets fugaces de la lumière rouge de sécurité, à peine perceptibles. J’ai éteint la lampe inactinique — une condition essentielle pour ce type de développement. J'ai disposé une feuille de papier photosensible sous l’agrandisseur, prêt à capturer l’image projetée. Puis, par hasard, ma main a effleuré une plaque de verre posée là, sur ma table de travail, sans que je me rappelle l’y avoir placée – un objet encombrant dont je ne savais que faire — m’a gêné. Sans trop y réfléchir, je l’ai simplement posée sur la feuille de papier, me disant que je verrais les effets sur le tirage. J’ai procédé au tirage dans le noir complet, suivant les étapes habituelles : exposition, développement, rinçage à l’eau, blanchiment, fixage, lavage à l’eau. Quand j’ai fini le procédé, j’ai sorti la plaque de verre, un peu méfiant, mais curieux de découvrir ce que ça donnerait. Je me suis dit : « Bah, on verra. » Quelques minutes plus tard, une fois l’image fixée, j’ai été bluffé. Sur le tirage, des taches orangées et rougeâtres, un peu anarchiques, mais bizarrement belles, dansaient sur la surface. En tenant la plaque contre la lumière, j’ai compris : elle était marquée de partout – des gouttes de café séchées, des traces de doigts, peut-être même des saletés ramassées au fil du temps. Ces petits défauts, en jouant avec la lumière de l’agrandisseur, s’étaient gravés sur le papier. Le résultat était inattendu, presque magique, comme si ces imperfections avaient décidé de raconter leur propre histoire. Loin de considérer cela comme un défaut, j’y ai vu une opportunité. Cet accident m’a inspiré une nouvelle approche créative. J’ai décidé d’explorer et de perfectionner cette technique. J’ai commencé à expérimenter avec différentes plaques de verre, que j’ai intentionnellement marquées de textures variées : gouttes de café diluées, traits de peinture diluée, poussières savamment disposées, ou encore frottements légers pour obtenir des granulations subtiles. Chaque plaque devenait une sorte de filtre artisanal, unique en son genre. J’ai multiplié les essais, ajustant la durée d’exposition et la disposition des plaques pour obtenir des effets plus ou moins prononcés, jouant avec les teintes chaudes – ocres, rouges, parfois des touches de brun – qui donnaient à mes images une patine presque picturale. Avec l’arrivée de la photographie numérique dans les années suivantes, j’ai poussé cette idée encore plus loin. J’ai numérisé mes plaques de verre préférées, capturant leurs motifs et leurs textures avec un scanner haute résolution. Ces fichiers sont devenus des calques que j’intègre désormais comme filtres dans mon logiciel de retouche photo. Appliqués sur mes images numériques, ils recréent cet effet granuleux et coloré qui évoque à la fois la spontanéité de l’accident originel et la richesse esthétique de l’argentique. Ce procédé, né d’un moment d’improvisation dans mon salon-labo, est devenu une signature, une manière de lier mon passé de tireur argentique à mon présent de créateur numérique.

L’Art du Hasard : Un Filtre d’Ocre Né d’un Soir

La Petite Chronique d’un Soir GranuleuxL’idée d’intégrer un effet granuleux, teinté d’ocres et de rouges, dans mes images est née d’un heureux hasard, un soir après une longue journée de travail. Nous étions au milieu des années 90, une époque où la photographie argentique régnait encore en maître dans mon univers créatif. Ce soir-là, je m’étais installé dans mon laboratoire improvisé – en réalité, ma salle de séjour transformée pour l’occasion – pour réaliser des tirages que j’avais réalisé lors de mon dernier voyage dans les caraïbes, j’avais amené quelques rouleaux de pellicule diapositives. J’utilisais a l’époque un agrandisseur IFF Ampliator Color S2 13x18, un appareil robuste et précis, et je travaillais pour la première fois avec le procédé Cibachrome, connu pour ses couleurs vibrantes et sa fidélité exceptionnelle. La pièce était plongée dans une obscurité presque totale, les seules lueurs provenaient des reflets fugaces de la lumière rouge de sécurité, à peine perceptibles. J’ai éteint la lampe inactinique — une condition essentielle pour ce type de développement. j’ai disposé une feuille de papier photosensible sous l’agrandisseur, prêt à capturer l’image projetée. Puis, par hasard, ma main a effleuré une plaque de verre posée là, sur ma table de travail, sans que je me rappelle l’y avoir placée – un objet encombrant dont je ne savais que faire — m’a gêné. Sans trop y réfléchir, je l’ai simplement posée sur la feuille de papier, me disant que je verrais les effets sur le tirage. J’ai procédé au tirage dans le noir complet, suivant les étapes habituelles : exposition, développement, rinçage à l’eau, blanchiment, fixage, lavage à l’eau. Une fois le processus terminé, j’ai retiré la plaque de verre, un peu sceptique mais curieux de voir ce que cela donnerait. Je me suis dit : « On verra bien. » Quelques minutes plus tard, lorsque l’image bien fixé a émergé, j’ai été surpris par le résultat. Sur le tirage, des taches de couleur orangées et rougeâtres, irrégulières mais étrangement harmonieuses, parsemaient la surface. En examinant la plaque de verre à la lumière, j’ai compris : elle était couverte de résidus – des éclaboussures de café séché, des traces de doigts, peut-être même quelques salissures indéfinissables accumulées au fil du temps. Ces imperfections, en interagissant avec la lumière de l’agrandisseur, avaient laissé leur empreinte sur le papier, créant un effet visuel inattendu mais fascinant. Loin de considérer cela comme un défaut, j’y ai vu une opportunité. Cet accident m’a inspiré une nouvelle approche créative. J’ai décidé d’explorer et de perfectionner cette technique. J’ai commencé à expérimenter avec différentes plaques de verre, que j’ai intentionnellement marquées de textures variées : gouttes de café diluées, traits de peinture diluée, poussières savamment disposées, ou encore frottements légers pour obtenir des granulations subtiles. Chaque plaque devenait une sorte de filtre artisanal, unique en son genre. J’ai multiplié les essais, ajustant la durée d’exposition et la disposition des plaques pour obtenir des effets plus ou moins prononcés, jouant avec les teintes chaudes – ocres, rouges, parfois des touches de brun – qui donnaient à mes images une patine presque picturale. Avec l’arrivée de la photographie numérique dans les années suivantes, j’ai poussé cette idée encore plus loin. J’ai numérisé mes plaques de verre préférées, capturant leurs motifs et leurs textures avec un scanner haute résolution. Ces fichiers sont devenus des calques que j’intègre désormais comme filtres dans mon logiciel de retouche photo. Appliqués sur mes images numériques, ils recréent cet effet granuleux et coloré qui évoque à la fois la spontanéité de l’accident originel et la richesse esthétique de l’argentique. Ce procédé, né d’un moment d’improvisation dans mon salon-labo, est devenu une signature, une manière de lier mon passé de tireur argentique à mon présent de créateur numérique.

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Éternnelles

Présentation d’une sélection d’images du reportage

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Éternelles

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Fleurs Éternelles

Argentique / Numérique — Botanique & Objectif

Quand je prends un vieil appareil argentique – un 24x36 usé, un Hasselblad 6x6 ou une chambre 8x10 lourde comme un secret – et que je me mets à photographier une plante, c’est comme si le temps s’arrêtait. Cette série, c’est ma manière de parler aux feuilles, aux tiges, aux pétales qui se dressent dans l’ombre d’un jardin ou au bord d’un chemin oublié. Ce ne sont pas juste des photos. C’est une rencontre. Chaque plante, avec ses courbes fragiles ou ses épines têtues, me raconte une histoire, et ces vieux boîtiers, avec leurs clics lents et leurs verres impeccables, savent l’écouter. Je me souviens de mes premières prises de vue, les doigts maladroits sur une chambre 4x5, attendant que la lumière du matin effleure juste ce qu’il faut une feuille de fougère. La netteté qu’on obtient avec ces appareils, c’est autre chose – comme si le monde s’ouvrait en grand, révélant des détails qu’on ne voit jamais à l’œil nu : la texture soyeuse d’un pétale, les nervures d’une feuille comme des routes sur une carte ancienne, une goutte d’eau qui brille comme une étoile prisonnière. Ces machines d’un autre temps demandent de la patience. Il faut attendre le bon moment, plisser les yeux sous le drap noir, ajuster, respirer. Parfois, l’exposition dure plusieurs secondes, et dans ce silence, on entend presque la plante respirer elle aussi. Cette série, c’est ma façon de dire que la beauté est partout, même sur une herbe qui pousse entre deux pavés. Les moyens formats, les chambres 5x7 ou 8x10, ils capturent ça avec une vérité brute, une élégance que les appareils modernes, si rapides, si parfaits, ne touchent pas toujours. Ces vieux outils m’ont appris à regarder lentement, à voir ce que le monde pressé ignore : une nervure qui se tord comme une signature, une tache de sève qui luit sous un rayon de soleil, un bourgeon qui s’ouvre comme s’il savait qu’on le regarde. Photographier comme ça, c’est quasiment un rituel, un dialogue avec la nature. Ce qui me touche, au fond, c’est ce lien entre la lenteur de l’argentique et la vie des plantes. Les deux demandent du temps, de l’attention. Une plante ne pousse pas en un clic, et une bonne photo argentique non plus. Les deux résistent à la hâte, à l’urgence de notre époque. Quand je développe une image – dans l’odeur chimique de la chambre noire, en regardant l’image apparaître comme un souvenir qui se précise – je ressens une gratitude immense. Pour les plantes, qui continuent de grandir malgré tout. Pour ces appareils, qui transforment un instant en éternité. Cette série, c’est une invitation à s’arrêter, à poser les yeux sur une feuille, une tige, une fleur, et à y voir un monde entier. C’est ma façon de dire : prenez le temps, regardez, et laissez-vous émerveiller.

Éternelles — Narcisses

Narcisses de l’Adour — Blanc et Or

Au printemps 1992, j’avais 29 ans, dans la lumière tendre du sud de l’Alsace, mes premiers narcisses s’élèvent, pétales blancs sous mon objectif. Je capte leur éclat discret, une beauté sauvage qui se donne sans attendre de retour. Dans les champs d’Alsace, aux confins des Vosges, ils tapissent les champs, éphémères et libres, chuchotant déjà les secrets de la vie, de la mort, et de l’éternel recommencement. Huit ans plus tard, en 2000, ayant rompu les amarres d’un métier qui m’étouffait, je me voue à la photographie. Je retrouve alors les narcisses, inchangés, dans les prairies des Pyrénées ou le long de l’Adour, phares d’une renaissance. Tel Écho, éperdue dans sa quête, je me perds pour mieux me retrouver : l’homme d’hier s’efface, l’homme libre s’éveille. Dans le mythe grec, Narcisse, captivé par son reflet dans une source limpide, s’éteint, consumé par un amour qu’il ne peut saisir. À l’endroit où il s’effondre, une fleur naît, le narcisse, frêle et lumineux, portant la mémoire et l’espoir d’un renouveau. Chaque printemps, il fend la terre gelée, défiant l’hiver, pour proclamer que la mort n’est qu’un seuil. Dans mon projet Éternelles, cette fleur tisse une histoire plus vaste : les fleurs, narcisses ou autres, sont les sentinelles de nos cycles humains. De la naissance au tombeau, elles dansent avec nous, incarnant la beauté qui éblouit, la simplicité qui console, la vie qui pulse, qui jaillit, et la mort qui, patiente, attend son heure. Dans les vallées du sud-ouest, où le vent mêle l’odeur des pins aux murmures des rivières, les narcisses sauvages sont mes guides. Leur floraison, au sortir de l’hiver, chante la régénération : une tige verte, un pétale blanc, un cœur d’or, comme une flamme dans l’aube. Ils me rappellent que l’âme, comme la terre, survit à ses hivers. Mes photographies, naïves et brutes en 1992, puis libérer en 2000, saisissent ce cycle. Dans Éternelles, je veux montrer que les fleurs, même fanées, ne s’évanouissent jamais : elles renaissent dans nos mythes, nos mémoires, nos images. Le narcisse, fils de Narcisse, est une âme métamorphosée, un esprit qui fleurit, et rit, sans fin. Éternelles est un hommage à ces compagnes végétales qui cheminent avec nous, discrètes, à chaque tournant. Elles parent nos joies, veillent nos chagrins, et reviennent, fidèles, pour nous enseigner que chaque fin porte un germe de début. Mes narcisses, capturés dans les champs d’Occitanie, les jardins de Toulouse ou les prairies de Peyrehorade, sont des poèmes silencieux : un pétale incliné, tel Narcisse scrutant son reflet ; une tige brisée, comme une vie interrompue ; une fleur naissante, comme une âme qui s’ouvre à la lumière. À travers eux, je célèbre la beauté fugitive, la simplicité des vraies choses, la vie qui s’élance, la mort qui murmure ses leçons, et le renouveau qui promet que rien, jamais, ne s’achève.

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Unclassifable

Présentation d’une sélection d’images du reportage

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Unclassifable

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Désordre, Évasion — Sans Contours

Sous un ciel suspendu entre l’aube et le crépuscule, l’inclassifiable émerge, insaisissable, comme une brume qui refuse de s’ancrer. Ce n’est pas la ville aux angles acérés, ni la forêt aux échos profonds, mais un espace flou, un interstice sur lequel les formes se dissolvent. Une ruelle s’y égare, envahie d’herbes folles, ses contours ondulent, comme esquissés par un vent hésitant. L’acier se liquéfie en reflets intenses, des bleus criards, des rouges qui débordent, se mêlant au vert fragile d’une terre abandonnée. Les pas s’y perdent en mouvements désordonnés, effacés par un souffle qui brouille tout. La lumière, elle, se fracasse en fragments trop vifs pour être saisis, trop lourds pour être nommés. Les murs murmurent des secrets, laissant filtrer des ombres vertes, tremblantes, dans un désordre saturé. Les arbres, courbés comme des titans épuisés, s’effacent dans des teintes qui s’échappent, fluides, indomptées. La terre, douce sous une rouille éclatante, parle une langue sans mots, un chant brut, impossible à capturer. L’inclassifiable échappe à toutes limite, à toute fin. C’est une flaque dans laquelle les mondes se fondent, un néon vibrant dans une branche dépouillée, une paix féroce qui rejette toute entrave, tout nom. Rien ne l’arrête, rien ne le fige : il est un courant qui traverse, un éclat qui brûle sans se consumer, un lieu où l’ordre et le chaos dansent sans jamais se résoudre.

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Bio / Approche Photographique

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Biographie

En Quête de Lumière — Saisir l’Éphémère

Entre Rugosité & Beauté

Il est né en 1963, dans un village du sud de l’Alsace. À 16 ans, en 1979, marchant dans les pas de son père, il pousse la porte d’une usine de mécanique, un endroit où on donne vie à des moteurs diesel énormes, pour les trains, les bateaux. Le vacarme des machines qui martèlent, le couinement des vieilles portes en métal, les voix des gars qui s’interpellent pour couvrir le bruit, la chaleur qui vous plaque, la poussière qui s’accroche à la peau et pique les yeux, ces journées qui vous cassent le dos : c’est là-dedans qu’il débarque, dans ce monde brut et bouillonnant, où les étincelles de ferraille croisent les éclats de rire lancés pour tenir bon. Un univers dur, rugueux, à mille lieues du collège qu’il a quitté il y a quelques semaines à peine, c’était une autre vie. En septembre 1995, tout bascule. Une étincelle jaillit. On lui offre un vieux Nikon F, un appareil des années soixante, et soudain, il voit le monde autrement. Il commence à capturer les visages burinés par le temps de ces collègues de travail, des instants du quotidien qui racontent des histoires sans mots. Ces premières photos, il les garde précieusement, comme un trésor intime, avant d’oser les dévoiler en 1997 lors d’une exposition qui le met à nu. Les visiteurs s’arrêtent, émus, touchés par ce regard si particulier. Ce moment marque un tournant : d’autres expos suivront, et son style, unique, commence à faire parler de lui. Assoiffé d’apprendre, il franchit en 2000 les portes de l’ETPA, l’école de photo et d’audiovisuel à Toulouse, entrant directement en troisième année de spécialisation. Dans cette effervescence d’idées, il aiguise son travail photographique, jette sur le papier des projets qui l’obsèdent, voit grand. En parallèle, il se lance sur le web avec un site avec lequel il partage son premier reportage, ses travaux personnels, ses esquisses, ses rêves. Cette vitrine numérique devient une fenêtre ouverte sur son univers, attirant des milliers de curieux captivés par la sincérité de ses images. En 2006, il s’installe dans le sud-ouest de la France. Les collines dorées par le soleil, les marchés pleins de vie, les ciels flamboyants au crépuscule : tout l’appelle, tout l’inspire. Il s’ancre là, mais garde les yeux grands ouverts, toujours à l’affût. Une conversation dans un bistrot, un arbre sculpté par le vent, un souvenir qui surgit sans crier gare : chaque détail nourrit son imagination. Appareil en main, il saisit ces moments fugaces, ces bribes de vie qu’il transforme en poésie. Et il continue, porté par une flamme intacte, à courir après ce qui fait vibrer, ce qui émeut, sous tous les ciels, qu’ils soient réels ou nés de ses songes.

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Approche Photographique

L’Écho d’une Enfance — Saisir le Sacré dans la Fugacité

Photographier, pour moi, va bien au-delà d’un simple déclic : c’est une immersion ardente dans l’instant, une quête passionnée pour capturer l’âme d’un moment, sa vibration unique qui résonne en moi. C’est tisser une connexion intime avec le sujet, ressentir l’urgence vitale de saisir cet instant précis, là où tout s’aligne, où la vérité du présent éclate. Ce besoin pulse en moi, viscéral, presque sacré. Chaque image libère une joie profonde, une ivresse créative qui m’emporte, me soulève jusqu’à l’extase, comme si le temps s’effaçait dans un souffle d’éternité. Cette sensibilité trouve ses racines dans mon enfance. À sept ou huit ans, je fabriquais des cerfs-volants, leurs voiles dansant dans le vent alsacien, et plus tard, je construisais des cabanes perchées dans les arbres, refuges de bois et de rêves. Avec mes camarades, nous partions pour la journée dans la montagne, allumant un feu pour griller des saucisses et des pommes de terre. Ces moments étaient le bonheur pur, la liberté absolue. Souvent, seul lors de mes balades, je replonge dans ces souvenirs : l’odeur du feu, le rire des amis, le frisson du vent. Ils ravivent en moi une énergie intense, une flamme qui alimente chaque photographie que je crée. Rien n’est fortuit dans ce processus. Les sons qui m’enveloppent, les parfums flottant dans l’air, la lumière sculptant les ombres, les contrastes du noir et blanc ou l’éclat vibrant des couleurs : chaque détail s’entrelace pour façonner un instant divin. Qu’il dure une seconde ou quelques minutes suspendues, je m’y prépare avec une ferveur quasi rituelle, prêt à accueillir ce moment fulgurant où l’univers semble conspirer. Une photographie naît de cette alchimie – une rencontre sensorielle, parfois sensuelle, jamais banale, où le regard s’imprègne des textures, des odeurs, de l’âme du lieu. Ce processus charrie un torrent de sensations : vivifiantes, enivrantes, de temps en temps si puissant qu’elles pourraient m’engloutir. Je les canalise, me laissant porter par leur élan. D’une image à l’autre, l’émotion, d’abord tumultueuse, s’adoucit en une joie pure, un enthousiasme spontané. Je retrouve l’enfant que j’étais, dévalant une pente à vélo, le cœur battant, prêt à s’envoler dans un éclat de bonheur. Chaque photo capture un fragment d’intimité, né dans une solitude savoureuse, offert à des regards inconnus dont je devine les échos secrets. La photographie est ma porte vers un monde sans limites, un refuge dans lequel l’imaginaire échappe aux routines et s’abreuve d’inspiration. C’est un écho de cette liberté d’enfance, un luxe que je cultive avec soin. Sans cet espace, l’existence me semblerait mutilée. Je porte une gratitude infinie pour cette force qui m’habite, et mon vœu le plus cher est que mes images éveillent, chez ceux qui les contemplent, un même souffle de liberté, qu’elles nourrissent leur propre imaginaire. Partager cette célébration de l’éphémère, rendre éternel ce qui passe en un battement de cœur, est une joie profonde, un hommage vibrant à la beauté et à l’intensité de la vie.

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Enivrez-Vous

Charles Baudelaire - Le Spleen de Paris, XXXIII - 1864

Il faut être toujours ivre. Tout est là : c'est l'unique question. Pour ne pas sentir l'horrible fardeau du Temps qui brise vos épaules et vous penche vers la terre, il faut vous enivrer sans trêve. Mais de quoi ? De vin, de poésie ou de vertu, à votre guise. Mais enivrez-vous. Et si quelquefois, sur les marches d'un palais, sur l'herbe verte d'un fossé, dans la solitude morne de votre chambre, vous vous réveillez, l'ivresse déjà diminuée ou disparue, demandez au vent, à la vague, à l'étoile, à l'oiseau, à l'horloge, à tout ce qui fuit, à tout ce qui gémit, à tout ce qui roule, à tout ce qui chante, à tout ce qui parle, demandez quelle heure il est ; et le vent, la vague, l'étoile, l'oiseau, l'horloge, vous répondront : « Il est l'heure de s'enivrer ! Pour n'être pas les esclaves martyrisés du Temps, enivrez-vous ; enivrez-vous sans cesse ! De vin, de poésie ou de vertu, à votre guise ». Charles Baudelaire - Le Spleen de Paris, XXXIII - 1864

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Publications

Parution de "RÉTROSPECTIVE DIDIER CHAMBON"
Ce livre est une présentation de plusieurs séries de photographies issues des différents reportages et travaux personnels. Livre relié, 33x28 cm, couverture rigide 240 Pages. Éditions Atelier de la Photographie – janvier 2018.

Parution du livre “Dominicains, Couvent St-Thomas d’Aquin“. Reportage réalisé en immersion au sein de cette communauté religieuse. Préface, Frère Olivier de Saint-Martin, Prieur. Livre relié, 18×18 cm, couverture rigide ou souple 54 Pages. Livre relié, 33×28 cm, couverture rigide de 52 Pages. Livre en français et anglais. Éditions Atelier de la Photographie – juillet 2017.

Parution du livre “Blagnac Boxing Club“ (Édition de luxe). Ce club a vu bon nombre de grands boxeurs faire leurs premières armes. Sa salle d’entraînement est un lieu mythique, où l’effort acharné est la règle, assorti de l’ambition d'être toujours meilleur jusqu’à atteindre (et rester !) au plus haut niveau. Cette volonté implacable a conduit certains jusqu’à l'apogée de ce sport. Préface de Monsieur Mahyar Monshipour Kermani, Sextuple champion du monde de boxe anglaise de 2003 à 2006, catégories super-coqs. Livre relié, 25 x 20 cm, couverture rigide, 78 pages. Livre en français et en anglais.
Éditions Atelier de la Photographie – août 2016.

Parution du livre “Communauté Mère du Divin Amour“. Reportage réalisé en immersion au sein de cette communauté religieuse. Elle est composée de laïcs et d’ecclésiastiques originaires d'Abidjan en Côte d’Ivoire. Elle s’inscrit dans le courant du Renouveau Charismatique Catholique. Ses prêtres exercent dans différentes paroisses, françaises et étrangères. Préface, Père Ferdinand Sebré, responsable des communautés européennes, (France, Belgique, Italie, Allemagne), et Canadiennes. Livre relié, 22 x 28 cm, couverture souple, 84 pages. Livre en français et anglais Éditions Atelier de la Photographie – juin 2015.

Parution du livre, “Lear“. Mise en scène : Patrice Odoul avec la Compagnie Bedlam Théâtre de Bayonne. Libre adaptation du “Roi Lear“ de William Shakespeare. Écris et mise en scène de Patrice Odoul. Livre relié, 22 x 28 cm, couverture souple, 92 pages. Éditions Atelier de la Photographie – décembre 2014.

Parution du livre “1 rue de la Fonderie“. Portraits d’ouvriers au sein d’une usine de métallurgie dans l’est de la France. Images d’un monde industriel hanté par des monstres cracheurs de feu. Dégât collatéral de quelques années de déclin économique, le savoir-faire spécifique de ce domaine s’est perdu dans le néant. Préface de Monsieur François Florent Eichholtzer, Fondateur du Cours Florent, Paris. Livre relié couverture rigide, 23,5 x 31,0 cm, 124 pages. Éditions IRCOS -décembre 2013. Pour commander le livre : Cezam Grand Est - 7 rue Alfred Engel / BP 21124 - 68052 - MULHOUSE Cédex-Tel : 03 89 56 55 54 - Email : [email protected]

Photographie de la pochette du CD & DVD en hommage au boxeur Mahyar Monshipour Kermani pour ces multiples victoires, (6 fois champion du monde WBA Super Coq & 6 fois champion d’Europe WBA Super Coq).
CD : Auteurs et interprète : Sinik, 113, Intouchable, Monsieur Mike, Alibi Montana, Relic, Lord Kossity, Serum, Zoxea, Ol’Kainry, Kamnouze, Guerilla Black...

Avril 1998
Liaison CE
1er page
N° 168

Août – septembre 1997
Liaison CE
1er page
N° 161

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Articles de Presse

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Expositions

2020/08Exposition avec le collectif ArteLandes à la "Peña les Artistes", Bayonne (64). Présentation de la “Série Safety“, avec les artistes: Alice Baldys / Mireille Bonard / Sandra Bourdie / Dominique Gentreau / Annick Harnie / Nancy Lopez / Didier Chambon / Léa Coutureau / Martine Layeux / Jean-Jacques Layeux.
Exposition du 3 août au 9 août 2020

2020/02Exposition avec le collectif ArteLandes à la médiathèque de Bélus (40). Présentation de la “Série Safety“, avec les artistes Alice Baldys / Sandra Bourdie / Annick Harnie / Nancy Lopez / Yves Gossebaire-Dupin / Léa Coutureau / PietroLando / Jean-Jacques Layeux.Exposition du 2 février au 4 avril 2020

2019/06
Exposition de la série “Corps et Graffiti“, lors d'un spectacle combinant lecture et musique autour de George Sand & Frédéric Chopin. Présenté par l’association “La Scène Déménage" au Théâtre du Sentier à Sorde-l’Abbaye (40).Exposition du 9 juin 2019

2019/04Présentation de la série “Safety", Exposition collective avec Eva Eudes, Collagiste & Magali Poillon-Rigomont, Event Designer à la banque du Crédit Agricole de Dax (40).Exposition du 3 avril au 19 mai 2019

2018/03Exposition de la série “Safety“ au théâtre de la Lutz à Peyrehorade (40), lors des représentations de Horla d’après la nouvelle de Guy de Maupassant par la troupe Cie Idées MobilesExposition du 3 mars 2019

2017/08Présentation d’une partie de la série “ Safety “ lors de la soirée “ 1 soir / 3 concerts “ dans la grange de la maison Jean Rameau à Cauneille (40). Avec Alain Sourigues, Guillo et Mamac.Exposition du 19 août 2017

2017/03Exposition de “1 rue de la Fonderie“ et conférence « Hommes et Industrie à la SACM“. Médiathèque départementale du Sundgau à Altkirch (68). Exposition et conférence à partir du 18 mars.Exposition du 18 mars au 16 avril 2017

2015/05
Exposition de “1 rue de la Fonderie“ « Hommes et Industrie à la SACM“ Espace 110 - Illzach (68).Exposition du 20 mai au 6 juin 2015

2014/10Exposition photographique de "1 rue de la Fonderie" aux “ 14ᵉ Journées de l’architecture “Campus de la Fonderie “ Mulhouse (68).Exposition du 13 au 25 octobre 2014

2014/07Exposition photographique de "1 rue de la Fonderie" présentée à l'Office de Tourisme dans le cadre des Journées du Patrimoine Industriel de la ville de Mulhouse (68).Exposition du 20 juin au 14 juillet 2014

2014/06Exposition photographique collective lors du 4ᵉ “Festival de la Photographie“ de Dax sur le thème “Photo-graphique“ (40).Exposition du 1er au 31 juillet 2014

2010 à 2014Exposition photographique permanente de la série
“1 rue de la Fonderie“ à La Fonderie Campus Mulhouse (68).

2000/04Exposition photographique de la série “Visages d’Ici et d’Ailleurs” Médiathèque de Thann (68).Exposition du 1er au 29 avril 2000

1999/06Exposition photographique de la série “ Arter Ensemble ” lors du festival “ l'Art en Quartier ” Mulhouse (68).Exposition du 5 au 25 juin 1999

1998/11Réalisation du “Mur de la Mémoire” (8 m x 25 m) dans la maison de quartier Kléber à Mulhouse, fresque collective en partenariat avec l’association “ Arter Ensemble “ et Luis Pasina, plasticien en résidence dans ce lieu (68).

1998/09Exposition à Mulhouse de la série “1 rue de la Fonderie“ lors des portes ouvertes de la S.A.C.M., l’usine où ont été réalisées les photographies (68).Exposition du 8-9 septembre 1998

1998/07Présentation à Mulhouse de la série “Un dimanche matin au tout va bien” dans la galerie de La Maison de Quartier de la Fonderie Campus (commande de la ville de Mulhouse) (68).Exposition du 1 au 30 juillet 1998

1998/01Exposition collective à la Filature Mulhouse (68) avec : François Kollar (portraitiste, mode) Michel Vanden Eeckhoudt (agence VU) sur le thème du “Monde du Travail“Exposition du 8 janvier au 1 mars 1998

1997/04Exposition à Mulhouse de la série “1 rue de la Fonderie“ dans la galerie I.R.C.O.S. (68).Du 5 au 25 avril 1997

1997/03Exposition collective à Paris à la Grande Halle de la Villette, sur le thème de “L’univers du travail d’aujourd’hui” (75).Du 5 au 25 mars 1997

1994/09Exposition à Perouse, Italie, dans le cadre de la nouvelle collection de la styliste Fabienne Michaelis. Galerie Il Gianicolo Snc, Perouse (06).5 au 25 septembre 1994

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Collections

1998/05La Filature Mulhouse (68), 60 tirages de la série : “1 rue de la fonderie“.

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Contact

Chers visiteur-euse,

Un grand merci de me contacté ! Votre message témoigne de l’intérêt que vous portez à mon univers photographique. Chaque cliché que je partage est le fruit d’un instant capturé, d’une lumière particulière, d’une émotion fugace que je cherche à immortaliser. Que vous soyez ici pour découvrir mes séries, échanger sur un projet, ou simplement partager une impression, sachez que votre démarche compte énormément pour moi. N’hésitez pas à me faire part de vos pensées, de vos idées, ou de ce qui vous a inspiré dans mon travail. Je suis impatient de lire vos mots et de continuer à tisser ce lien précieux entre la photographie et ceux qui la regardent. Je vous répondrai dans les plus brefs délais si c'est nécessaire.
Amicalement,Didier Chambon

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Mécénats

Ko-Fi : Est une plateforme pour soutenir un créateur pour le prix d'un café.
Vous n'avez pas besoin de compte pour soutenir un créateur.https://ko-fi.com/didierchambon

Tipeee : Est une plateforme française de financement participatif en ligne construite sur le principe du pourboire. Elle permet à ses utilisateurs de rémunérer les « créateurs » inscrits sur le site via des dons.https://en.tipeee.com/didier-chambon-photographe

Patreon : Est un site Web de financement participatif. Le site permet aux créateurs inscrits d'obtenir des financements de mécènes.https://www.patreon.com/profile/creators?u=65680875

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